Son las cuatro de la tarde de un viernes. Tu compañía llega a un teatro de una ciudad que no conoce. Mañana a las ocho se levanta el telón. Abrís las puertas del escenario y lo que encontráis es esto: el suelo es de madera barnizada —resbaladizo, imposible para bailar descalzos—, no hay linóleo disponible y el almacén más cercano que podría tenerlo cierra en veinte minutos. Las varas de iluminación están cargadas con un montaje de la función anterior que nadie ha desmontado porque nadie avisó de que necesitabais un escenario limpio. El técnico de sonido del teatro os mira con cara de circunstancia y pregunta: "¿Traéis los archivos en WAV o en MP3? Porque nuestra mesa no lee pendrives, necesitamos que nos lo paséis por AES50". Vuestra directora técnica —que en realidad es la bailarina que más sabe de cables— busca frenéticamente un adaptador de minijack a XLR mientras el regidor del teatro repite, con una paciencia que ya se agota: "Todo esto tendría que haberse hablado hace tres semanas".
Al otro lado de la ciudad, en otro teatro, otra compañía de danza está montando. Llegaron a las diez de la mañana. El linóleo negro que pidieron ya estaba extendido. Las varas de iluminación tienen los focos que su diseñadora especificó en el plano de luces que envió hace un mes. El técnico de sonido ya ha probado los archivos que la compañía mandó por email la semana pasada. Los camerinos tienen espejos, agua y un espacio despejado para calentar. A las doce, mientras unos afinan niveles de sonido y otros ajustan la luz del tercer cuadro, la coreógrafa está donde tiene que estar: sentada en el patio de butacas, viendo cómo su pieza cobra vida en ese espacio nuevo, tomando notas, respirando.
La diferencia entre estas dos compañías no es el presupuesto. No es la experiencia. No es la suerte. La diferencia es un documento de cinco páginas que una de ellas envió y la otra no.
Ese documento se llama rider técnico.
Al terminar de leer este artículo, sabrás identificar todas las necesidades técnicas de tu obra, documentarlas en un rider profesional, leer la ficha técnica de cualquier teatro, y comunicarte con el equipo técnico con la precisión y la claridad que tu pieza merece.
1. ¿Qué es un rider técnico?
El rider técnico es el documento que detalla todo lo que tu producción necesita para funcionar. No lo que quieres. No lo que sueñas. Lo que tu obra necesita para que el público vea lo que tú imaginaste cuando la creaste. Es una carta de especificaciones, un contrato técnico, un manual de instrucciones. Es tu voz hablando con un teatro que aún no has pisado, con un técnico que aún no conoces, con un director técnico que tiene que decidir si tu pieza cabe en su programación antes de hablar contigo.
La palabra "rider" viene de la industria musical anglosajona, donde nació como un anexo al contrato de actuación: la lista de requerimientos técnicos y logísticos que un artista "añade" (rides along) a las condiciones del contrato. Desde la música se extendió al teatro, a la danza, al circo, a cualquier disciplina escénica que necesite comunicar sus necesidades a un espacio que no es el suyo.
Pero hay un matiz fundamental que necesitas entender antes de seguir:
Existen dos documentos que viajan en direcciones opuestas. El rider técnico es lo que tú envías al teatro: lo que tu obra necesita. La ficha técnica es lo que el teatro te envía a ti: lo que ese espacio ofrece. Tu trabajo como creador escénico es hacer que esos dos documentos conversen.
El rider no es un capricho. No es una lista de deseos. Es un documento profesional que lee gente profesional: el director técnico del teatro, el jefe de escenario, los técnicos de iluminación y sonido, el regidor, el equipo de producción del festival. Cada una de esas personas necesita encontrar en tu rider la información que le compete, expresada con claridad y sin ambigüedades.
Y es un documento vivo. No lo escribes una vez y lo guardas para siempre. El rider evoluciona con la obra. Si cambias la coreografía, si añades una escena con voz en directo, si decides usar una tela que cuelga de una vara, si el compositor modifica la banda sonora y ahora necesitas cuatro canales en lugar de dos, el rider se actualiza. Una compañía profesional revisa su rider antes de cada gira, antes de cada función en un espacio nuevo. Porque cada teatro es diferente, y tu pieza tiene que caber en cada uno de ellos.
2. Anatomía de un rider técnico profesional
Un rider no es un texto libre donde cuentas lo que sientes sobre tu obra. Es un documento estructurado con secciones estandarizadas que la industria conoce y espera. Vamos a recorrerlo sección por sección, y en cada una te explicaré qué incluir, por qué importa y cómo pensarlo desde la mirada de alguien que crea danza.
2.1 Información general de la compañía y la producción
Es la portada de tu documento. Parece obvio, pero la cantidad de riders que llegan a los teatros sin un teléfono de contacto actualizado o sin especificar cuántas personas viajan es asombrosa.
Incluye siempre:
- Nombre de la compañía y logotipo si lo tienes
- Título de la obra
- Duración (incluyendo si hay intermedio o no)
- Número de intérpretes en escena
- Número total de personas que viajan (intérpretes + equipo técnico + dirección)
- Contacto técnico: nombre, teléfono móvil y email de la persona que resolverá las dudas técnicas. Esto es crítico. El director técnico del teatro necesita hablar con alguien de tu equipo que sepa responder preguntas como "¿vuestro ciclorama necesita iluminación por detrás o lo usáis solo como fondo?". Si esa persona eres tú, perfecto. Si no, designa a alguien y asegúrate de que esté disponible.
- Ficha artística resumida: coreografía, dirección, diseño de iluminación, diseño de sonido, escenografía, vestuario. No es vanidad: es información profesional que el teatro necesita para su programa de mano y su comunicación.
2.2 Necesidades de espacio escénico
Aquí es donde el rider empieza a hablar el idioma del teatro, y donde necesitas conocer un vocabulario específico que la industria usa en toda España y Latinoamérica. Antes de entrar en las medidas, necesitas un mapa mental del escenario:
| Término | Qué es |
|---|---|
| Embocadura | La "boca" del escenario: la abertura rectangular que enmarca la escena y que el público ve. Se define por su ancho y su alto. |
| Proscenio | La franja de escenario que queda delante de la embocadura, más cerca del público. |
| Hombros | Las zonas laterales del escenario, fuera de la vista del público, donde los bailarines esperan para entrar. |
| Chácena | El espacio detrás del escenario, al fondo, fuera de la vista del público. Se usa para entradas traseras y almacenaje durante la función. |
| Patas | Telas negras verticales colocadas a los lados del escenario que ocultan los hombros de la vista del público. |
| Bambalinas | Telas negras horizontales colgadas en la parte superior que ocultan las varas de iluminación, la tramoya y la parrilla. |
| Varas | Barras metálicas horizontales que cruzan el escenario de lado a lado, suspendidas desde la parrilla. De ellas se cuelgan focos, telones, elementos de escenografía. |
| Ciclorama | Un gran telón liso —generalmente blanco o gris claro— situado al fondo del escenario que se puede iluminar para crear fondos de color, horizontes, cielos, o simplemente un fondo uniforme. |
| Cámara negra | La configuración estándar en la que todo el escenario está rodeado de telas negras (patas, bambalinas, fondo negro), creando un espacio abstracto sin referencias visuales. |
Con este vocabulario claro, tu rider de espacio debe especificar:
-
Dimensiones mínimas del escenario: ancho útil de embocadura, profundidad (desde el proscenio hasta el fondo), y altura libre bajo varas. No pongas las dimensiones de tu sala de ensayo: pon las dimensiones mínimas que tu coreografía necesita para funcionar. Si tienes una diagonal en la que cuatro bailarines cruzan corriendo, mide esa diagonal.
-
Suelo: esto es vital en danza y a menudo se olvida en riders de otras disciplinas. Especifica si necesitas linóleo (marley), de qué color, y si lo llevas tú o necesitas que el teatro lo proporcione. Indica si los intérpretes bailan descalzos, con zapatillas de media punta, con zapatos de tacón, o combinaciones. Un suelo de madera barnizada puede ser una sentencia para las rodillas de un bailarín que hace trabajo de suelo; un linóleo gris puede arruinar la estética de una pieza diseñada sobre negro. El suelo no es un detalle: es la superficie sobre la que vive toda tu coreografía.
-
Configuración de patas y bambalinas: ¿necesitas cámara negra completa? ¿Cuántas calles de patas? ¿Ciclorama al fondo?
-
Accesos al escenario: ¿por dónde entran y salen tus bailarines? ¿Necesitas entradas por los hombros, por la chácena, por el patio de butacas? Esto es especialmente importante en piezas con entradas sorpresa o con el público cerca.
-
Espacio libre de obstáculos: si tu coreografía tiene elevaciones, portes o recorridos de carrera, necesitas garantizar que no haya columnas, monitores u otros obstáculos en la zona de movimiento.
2.3 Necesidades de iluminación
Como vimos en el artículo sobre iluminación escénica, ya tienes el vocabulario para describir la luz que tu pieza necesita. Sabes hablar de direcciones, temperaturas, intensidades, colores y movimiento lumínico. Ahora necesitas aprender a pedir esa luz formalmente en un documento que un equipo técnico pueda ejecutar.
Lo primero que debes saber: el plano de luces (light plot) no lo haces tú. Lo hace el diseñador de iluminación. Tu trabajo como coreógrafo es describir lo que necesitas narrativa y emocionalmente —"quiero que el segundo cuadro sea un claroscuro lateral frío que se abra gradualmente hacia un ámbar cenital"— y el diseñador traduce eso a un plano con posiciones, aparatos, canales y gelatinas. Lo que sí haces en el rider es especificar las condiciones mínimas que el teatro necesita cumplir para que ese plano sea ejecutable.
Tu rider de iluminación debe incluir:
- Plano de luces adjunto (si ya existe): formato PDF o DWG, con la aclaración de que se enviará con antelación para que el teatro lo revise.
- Número mínimo de canales/circuitos de dimmer: es el equivalente al número de "controles independientes" que necesitas. Si tu diseño usa 48 focos que se encienden de manera independiente, necesitas 48 canales. Si algunos van agrupados, pueden ser menos.
- Tipo de aparatos necesarios: no necesitas ser un experto en luminotecnia, pero sí saber qué hace cada tipo de foco en términos funcionales:
| Aparato | Qué hace | Cuándo lo necesitas |
|---|---|---|
| PC (plano-convexo) | Luz suave de cobertura amplia | Para baños generales de luz, ambientes |
| Fresnel | Luz suave con bordes difuminados, ajustable en apertura | Frontales y laterales suaves, crear atmósfera |
| Recorte (elipsoidal / ERS) | Luz dura con bordes definidos, permite recortar formas | Cenitales precisas, gobo (proyección de patrones), zonas de luz con bordes limpios |
| PAR | Haz intenso y concentrado | Contraluces potentes, haces visibles con haze |
| LED | Cambio de color sin filtros físicos, bajo consumo | Flexibilidad cromática, cambios rápidos de color |
| Cabeza móvil (moving head) | Se reposiciona automáticamente durante la función | Seguimientos automatizados, cambios de posición entre escenas sin intervención manual |
- Necesidades especiales: máquina de haze o niebla (fundamental si quieres que los haces de luz sean visibles, como vimos en el artículo sobre iluminación escénica), cañón de seguimiento (follow spot), luz negra (ultravioleta), estroboscopio, proyector.
- Mesa de iluminación: si tu diseñador trae la programación en un formato específico (por ejemplo, un archivo para consolas ETC o GrandMA), indícalo. Si necesitas una mesa concreta, especifícala. Si sois flexibles, escríbelo: "Programación en formato [X], compatible con [consola Y]. Alternativa: se puede reprogramar en consola del teatro con [Z horas] de montaje adicional."
2.4 Necesidades de sonido
El sonido en la danza contemporánea va desde una pieza entera en silencio hasta paisajes electroacústicos de ocho canales envolventes con micrófonos de contacto en el suelo. Tu rider tiene que dejar claro exactamente dónde caes en ese espectro.
Especifica:
- Sistema de reproducción: ¿reproduces desde un ordenador portátil? ¿Desde un dispositivo de audio dedicado? ¿Cuántos canales de salida necesitas? No es lo mismo un estéreo (dos canales, izquierda/derecha) que un sistema cuadrafónico (cuatro canales) o un envolvente 5.1. Indica el formato de los archivos: WAV sin comprimir a 48kHz/24bit es el estándar profesional. Lleva siempre copia de seguridad.
- Microfonía: si tu pieza incluye voz en directo, texto hablado, canto, instrumentos acústicos en escena o cualquier fuente sonora que necesite amplificación, detalla qué micrófonos necesitas (de diadema, de solapa, de condensador para ambiente, de contacto para el suelo) y cuántos.
- Monitores de escenario: los bailarines necesitan oír la música. Si el sistema de PA (público) no llega bien al escenario —algo frecuente en teatros grandes—, necesitarás monitores (altavoces dirigidos al escenario). Especifica cuántos y dónde los necesitas. En danza esto es a menudo más importante que en teatro, porque la música no es solo acompañamiento: es la estructura rítmica sobre la que se sostiene el movimiento.
- Conexiones: ¿cómo se conecta tu fuente de sonido al sistema del teatro? Detalla: salida de tu equipo (minijack, jack 6.3mm, USB, XLR) y lo que necesitas del teatro. Y una nota que subrayo en rojo:
Nunca, jamás, bajo ninguna circunstancia, planifiques la reproducción de sonido en directo por Bluetooth. El Bluetooth tiene latencia (retraso entre la señal y el sonido), puede perder la conexión en cualquier momento, y su calidad de audio es inferior a una conexión por cable. Lo que funciona en tu salón no funciona en un escenario profesional. Cable. Siempre cable.
- Operador de sonido: ¿traéis a vuestro propio operador o necesitáis que el teatro proporcione uno? Si el teatro pone operador, tendréis que enviar la hoja de cues (la lista de pies de sonido) con antelación y ensayar con esa persona.
2.5 Necesidades de elementos escénicos y utilería
Si tu pieza usa algo más que cuerpos y luz —una silla, una tela de seda que cae desde una vara, un montón de tierra, agua, una estructura metálica, un espejo—, necesitas documentarlo. Los elementos escénicos tienen implicaciones de espacio, peso, seguridad, montaje y limpieza que el teatro debe conocer.
Tu rider debe incluir:
- Listado completo de elementos: nombre, descripción, dimensiones y peso de cada uno.
- Qué trae la compañía y qué necesita del teatro: sé específico. "Necesitamos 6 sillas de madera sin brazos, asiento a 45 cm del suelo" es útil. "Necesitamos sillas" no lo es.
- Necesidades de anclaje o suspensión: si algo cuelga de una vara (una tela, una estructura, un trapecio), indica el peso exacto y el punto de anclaje. Las varas tienen un peso máximo que soportan y el teatro necesita calcularlo.
- Elementos que afectan al suelo: agua, arena, tierra, pintura, confeti. Todo lo que ensucie o pueda dañar el linóleo o el suelo del escenario debe indicarse. Algunos teatros tienen restricciones estrictas con líquidos o materiales que manchen.
- Elementos con implicaciones de seguridad: fuego (aunque sea una vela), pirotecnia, arneses, cualquier cosa que requiera un protocolo especial. Muchos teatros necesitan autorización del departamento de bomberos para fuego real en escena.
2.6 Necesidades de camerinos y logística
Esta sección parece la menos artística de todo el rider, pero pregúntale a cualquier bailarín que haya calentado en un pasillo sin calefacción o que haya buscado un espejo para maquillarse y solo encontró la pantalla de su móvil. La logística invisible es la que sostiene —o sabotea— todo lo visible.
Incluye:
- Camerinos: número necesario, indicando si necesitas camerinos separados por género o si uno colectivo es suficiente. Necesidades mínimas: espejos con iluminación, perchas, sillas, acceso a baño, acceso a agua corriente.
- Espacio de calentamiento: esto es no negociable en danza. Los bailarines necesitan calentar antes de la función. Necesitan un espacio con suelo adecuado (no moqueta, no mármol, no gravilla), temperatura razonable y dimensiones suficientes para hacer una barra o un calentamiento de suelo. Especifica las dimensiones mínimas. Si el teatro no tiene sala de calentamiento, necesitas acceso al escenario con antelación suficiente.
- Carga y descarga: ¿cuánto material lleváis? ¿Necesitáis muelle de carga para un camión? ¿O cabe todo en un coche? ¿Hay acceso directo al escenario desde el muelle o hay escaleras de por medio?
- Tiempos de montaje y desmontaje: sé realista y honesto. Si tu montaje necesita seis horas, no escribas cuatro. Un montaje apretado que no da tiempo genera tensión, errores y una primera función en la que nada está del todo ajustado. Detalla: cuántas horas para montar iluminación, cuántas para sonido, cuántas para escenografía, cuánto tiempo de ensayo con técnica ya montada. Indica también cuánto necesitas para desmontar después de la última función.
2.7 Personal técnico necesario
Esta sección es un acuerdo de trabajo entre tu compañía y el teatro. Define quién hace qué.
- Personal que trae la compañía: ¿lleváis director técnico, operador de luces, operador de sonido, regidor?
- Personal que necesitáis del teatro: número de técnicos de iluminación (para montar y enfocar), técnicos de maquinaria (si hay varas que mover, telones que subir), técnicos de sonido, personal de escenario para cambios durante la función, personal de sastrería si hay cambios de vestuario complejos.
- Regidor / Stage Manager: si la pieza tiene cues complejas (cambios de luz, entradas de sonido, movimiento de elementos escénicos durante la función), necesitas un regidor que "cante" esos pies. Indica si lleváis el vuestro o necesitáis que el teatro proporcione uno, en cuyo caso tendréis que enviar la hoja de cues con antelación.
2.8 Planos y documentación adjunta
El rider es un documento de texto, pero no viaja solo. Debe acompañarse de documentación visual y operativa:
- Plano de luces (light plot): el mapa que muestra la posición de cada foco sobre la planta del escenario. Lo elabora el diseñador de iluminación. Formato habitual: PDF y/o DWG.
- Plano de escenografía (stage plot / ground plan): una vista en planta del escenario con la posición de todos los elementos escénicos, entradas y salidas de los intérpretes, zonas de acción. Es el "mapa del espectáculo" visto desde arriba.
- Listado de cues: la secuencia ordenada de todos los pies de luz, sonido y maquinaria de la pieza. Cada cue tiene un número, una descripción, una referencia temporal o de acción ("cuando la bailarina llega al fondo izquierdo, cue 14: fundido a azul en 8 segundos"). Este documento es la partitura técnica de tu obra.
- Hoja de contacto: un documento con nombre, teléfono y email de todas las personas clave de la compañía (dirección artística, dirección técnica, producción, intérpretes principales). Parece trivial hasta que el director técnico del teatro necesita resolver una duda urgente a las once de la noche del día anterior al montaje.
3. Cómo leer la ficha técnica de un teatro
Si el rider es tu voz, la ficha técnica es la voz del teatro. Es el documento que el espacio escénico publica o envía para decirte: "Esto es lo que tengo, esto es lo que puedo ofrecerte, y estas son mis limitaciones." Aprender a leerla es tan importante como saber escribir tu rider, porque la conversación entre ambos documentos es donde se decide si tu pieza puede funcionar en ese espacio.
Una ficha técnica estándar incluye:
- Dimensiones del escenario: ancho de embocadura (a veces regulable), profundidad, alto de la boca, alto libre bajo varas, profundidad de proscenio, ancho de hombros, profundidad de chácena.
- Dotación de iluminación: número de varas eléctricas, número de circuitos de dimmer, inventario de aparatos disponibles (cuántos PC, cuántos fresnel, cuántos recortes, cuántos LED), tipo de mesa de iluminación.
- Sistema de sonido: marca y modelo del sistema de PA, número de canales de la mesa de mezclas, tipos de conexión disponibles, inventario de micrófonos, monitores disponibles.
- Varas y tramoya: número de varas (manuales y/o motorizadas), peso máximo por vara, posición de cada vara (a cuántos metros del proscenio).
- Accesos: entradas al escenario desde hombros, chácena, patio de butacas. Acceso de carga y descarga. Existencia de montacargas o elevadores.
- Restricciones: ¿se permite fuego? ¿Agua? ¿Humo? ¿Anclajes en el suelo? ¿Hay normas sindicales sobre horas de montaje?
Cuando los documentos conversan
El momento crucial es cuando pones tu rider junto a la ficha técnica del teatro y los comparas. Aquí es donde el coreógrafo se convierte en productor, y donde tu capacidad de priorizar y negociar marca la diferencia.
Pongamos un ejemplo concreto. Tu rider pide:
- Embocadura mínima de 10 metros
- 48 canales de dimmer
- 12 recortes para cenitales individuales
- Linóleo negro
- Máquina de haze
La ficha técnica del teatro dice:
- Embocadura de 9 metros (regulable hasta 8)
- 36 canales de dimmer
- 8 recortes disponibles
- No disponen de linóleo (suelo de madera negra)
- Máquina de haze disponible
¿Qué haces? Priorizas. ¿Esos 48 canales son todos imprescindibles o puedes agrupar algunos circuitos y funcionar con 36? Probablemente sí, si hablas con tu diseñador de iluminación y le explicas la situación. ¿Puedes vivir con 8 recortes en lugar de 12? Quizá, si sacrificas cuatro cenitales individuales y las sustituyes por dos zonas de cenital compartida. ¿Puedes bailar sobre madera negra sin linóleo? Depende: si tu pieza tiene mucho trabajo de suelo y pies descalzos, probablemente no, y tendrás que llevar tu propio linóleo o negociar que el teatro lo alquile. ¿La embocadura de 9 metros en lugar de 10? Revisa tu coreografía: ¿hay algún momento que no funcione con un metro menos de ancho?
La negociación técnica no es una derrota: es una habilidad profesional. Las mejores compañías del mundo adaptan su rider a cada espacio sin comprometer la esencia de la obra. La clave es saber qué es esencial y qué es flexible.
4. El proceso: De la idea artística al rider
Escribir un rider no es sentarse delante de una pantalla en blanco y rellenar campos. Es un proceso que nace de tu obra y crece con ella. Aquí tienes los siete pasos para convertir tu visión artística en un documento técnico profesional.
Paso 1: Ver tu obra con ojos técnicos
Siéntate a ver un ensayo completo de tu pieza como si no fueras el coreógrafo, sino el director técnico de un teatro que no conoce tu trabajo. Cada momento que te provoca una emoción, pregúntate: ¿qué necesita este momento técnicamente para existir?
¿Hay un cambio de luz? Anótalo. ¿Suena una música? Anota cuándo empieza, cuándo termina, si es grabada o en vivo. ¿Una bailarina entra por la izquierda corriendo? Necesitas un hombro despejado con suficiente profundidad para coger carrera. ¿Hay un momento de silencio absoluto donde se oye la respiración? Necesitas que el sistema de climatización del teatro no haga ruido. ¿Usas una tela que cae desde arriba? Necesitas una vara, un punto de anclaje y un sistema de liberación.
Piensa en la danza de Sasha Waltz en Körper: cuerpos que se presionan contra un muro de cristal, que emergen de paredes líquidas, que se suspenden en el aire. Cada una de esas imágenes que te conmueven como espectador tiene detrás una ficha técnica que alguien tuvo que escribir: peso del cristal, puntos de anclaje, sistema de arneses, dimensiones de la estructura, tiempo de montaje. La magia escénica es siempre el resultado de una logística impecable.
Paso 2: Hacer el inventario técnico
Después de ver tu pieza con ojos técnicos, tendrás una lista desordenada y probablemente abrumadora de necesidades. Bien. Ahora organízala por categorías: espacio, iluminación, sonido, escenografía, vestuario técnico, logística. No edites todavía, no priorices: solo clasifica. Es el equivalente a vaciar todos los cajones sobre la mesa antes de decidir qué te llevas de viaje.
Paso 3: Priorizar
Ahora viene la decisión más importante: distinguir entre lo imprescindible y lo deseable. Lo imprescindible es aquello sin lo cual la pieza no puede funcionar: si tu coreografía está construida sobre el silencio, necesitas un espacio sin ruido mecánico —eso es imprescindible—. Si te gustaría tener haze para que los contraluces dibujen haces visibles pero la pieza funciona sin ella, eso es deseable.
Marca cada elemento de tu inventario como:
- Imprescindible (deal-breaker): sin esto, cancelamos.
- Muy importante: sin esto, la pieza pierde mucho, pero puede funcionar.
- Deseable (nice-to-have): si lo hay, genial. Si no, nos adaptamos.
Esta jerarquía es la columna vertebral de cualquier negociación posterior con un teatro.
Paso 4: Consultar con los diseñadores
El rider no lo escribes solo. Lo construyes en conversación con tu equipo: el diseñador de iluminación sabe cuántos canales necesita; el diseñador de sonido sabe qué conexiones requiere; el escenógrafo sabe cuánto pesa la estructura y cuánto tiempo lleva montarla. Tu trabajo como coreógrafo y director artístico es articular la visión global y asegurarte de que cada sección del rider refleje las necesidades reales, no tus suposiciones.
Si no tienes diseñadores profesionales —algo habitual en las primeras producciones—, investiga. Habla con los técnicos de tu universidad, pregunta a compañías que admires cómo estructuran su rider, busca ejemplos reales en internet. El rider es un documento de equipo, aunque el equipo seas tú solo.
Paso 5: Redactar con claridad
Escribe como si la persona que lo lee no pudiera llamarte para pedir aclaraciones. Porque a menudo no puede: un director técnico que evalúa treinta riders para seleccionar la programación de un festival toma decisiones sobre la base de lo que lee, no de lo que supone.
Malas formulaciones:
- "Necesitamos buena iluminación" → ¿Qué es "buena"?
- "Queremos un ambiente íntimo" → ¿Cómo se traduce eso en aparatos?
- "El sonido tiene que sonar bien" → Esto no comunica nada.
Buenas formulaciones:
- "Mínimo 36 canales de dimmer. 8 recortes ETC Source Four para cenitales individuales. 12 PC 1kW para laterales. Máquina de haze imprescindible."
- "Reproducción de sonido estéreo desde ordenador portátil (salida minijack → DI al sistema). 2 monitores de escenario orientados a las zonas laterales."
Sé específico. Sé conciso. Usa números cuando puedas. Deja la prosa para tu dossier artístico; el rider habla en datos.
Paso 6: Incluir alternativas
Este paso transforma un rider rígido en un rider inteligente. Después de cada necesidad importante, añade lo que aceptas como mínimo:
- "Embocadura ideal: 12m. Mínimo aceptable: 9m."
- "Preferimos consola ETC Ion. Alternativa: cualquier consola que lea archivos .esf o que permita reprogramar en 3 horas."
- "Linóleo negro proporcionado por la compañía. Necesitamos que el escenario esté disponible 2 horas antes para su instalación."
Las alternativas no son debilidad: son profesionalidad. Un director técnico que recibe un rider con alternativas piensa "esta compañía sabe lo que hace y es fácil trabajar con ella". Un director técnico que recibe un rider sin alternativas, con exigencias inamovibles, piensa "esto va a ser un problema".
Paso 7: Revisión y actualización
Antes de enviar el rider a un nuevo espacio, revísalo:
- ¿Ha cambiado la pieza desde la última versión?
- ¿Has solucionado problemas en funciones anteriores que deberían reflejarse?
- ¿Los contactos están actualizados?
- ¿Las necesidades coinciden con la versión actual de la obra, no con una versión antigua?
Pon fecha y número de versión en el documento. "Rider técnico v3 — enero 2026" le dice al teatro que están leyendo un documento vigente, no un fósil de hace tres años.
5. Errores comunes y buenas prácticas
Después de años de experiencia en la industria, los directores técnicos de teatros podrían escribir un libro de terror con los riders que reciben. Aquí tienes los errores más frecuentes —especialmente en compañías de danza jóvenes— enfrentados a la práctica que los resuelve.
| Error | Buena práctica |
|---|---|
| No enviar el rider con suficiente antelación | Enviar el rider al menos 4 semanas antes de la función. Para festivales o teatros de red, a menudo se necesita con meses de antelación. |
| Rider demasiado vago: "necesitamos buena iluminación y buen sonido" | Especificar cantidades, modelos, configuraciones concretas. Los adjetivos no se enchufan a una vara. |
| Rider demasiado exigente sin ofrecer alternativas | Incluir siempre la opción ideal y la opción mínima aceptable para cada necesidad importante. |
| No incluir contacto técnico | Incluir nombre, móvil y email de la persona que resuelve dudas técnicas. Verificar que esos datos estén actualizados. |
| "Ya lo resolveremos cuando lleguemos" | Resolver antes de llegar. El montaje no es momento para tomar decisiones de diseño. |
| No pedir la ficha técnica del espacio | Solicitar la ficha técnica en cuanto se confirme la actuación y cruzarla con el rider. |
| Enviar el rider de otra producción anterior sin actualizar | Cada obra tiene su propio rider. Revisar y actualizar antes de cada envío. |
| No distinguir entre imprescindible y deseable | Marcar cada necesidad con su nivel de prioridad. Facilita enormemente la negociación. |
| Olvidar necesidades de camerinos y calentamiento | En danza, el espacio de calentamiento es tan necesario como el escenario. Incluirlo siempre. |
| No especificar tiempos de montaje y desmontaje | Detallar horas necesarias para montaje de iluminación, sonido, escenografía, ensayo con técnica y desmontaje. Ser realista, no optimista. |
| No llevar copia de seguridad del sonido | Llevar el audio en al menos dos soportes independientes (portátil + pendrive + disco duro o nube accesible). |
| Asumir que todos los teatros tienen las mismas posibilidades | Cada espacio es diferente. Un teatro de 800 butacas y un centro cultural de barrio no tienen la misma dotación. Adaptar las expectativas. |
6. Plantilla de rider técnico
Lo que sigue es una plantilla funcional que puedes copiar, rellenar y adaptar para tu propia producción. Está diseñada para una obra de danza/coreografía y contiene todos los apartados estándar de la industria. Los textos entre corchetes [...] son campos para completar. Las notas en cursiva son indicaciones que debes eliminar en tu versión final.
Copia todo lo que está entre las dos líneas horizontales siguientes y úsalo como punto de partida para tu rider.
RIDER TÉCNICO
[Nombre de la compañía]
[Título de la obra]
Versión del rider: [número] — Fecha: [dd/mm/aaaa]
1. INFORMACIÓN GENERAL
| Compañía | [Nombre] |
| Obra | [Título] |
| Duración | [minutos, indicar si hay intermedio] |
| Intérpretes en escena | [número] |
| Total personas que viajan | [número: intérpretes + técnicos + dirección] |
| Estreno | [fecha y lugar del estreno, si aplica] |
| Web / Redes | [URL y redes sociales] |
Ficha artística:
| Coreografía | [Nombre] |
| Dirección | [Nombre, si es distinto al coreógrafo] |
| Diseño de iluminación | [Nombre] |
| Diseño de sonido / Música | [Nombre] |
| Escenografía | [Nombre] |
| Vestuario | [Nombre] |
| Dirección técnica | [Nombre] |
Contacto técnico:
| Nombre | [Nombre completo] |
| Cargo | [Director/a técnico/a, etc.] |
| Teléfono móvil | [número] |
| [email] |
Contacto de producción/distribución:
| Nombre | [Nombre completo] |
| Teléfono | [número] |
| [email] |
2. ESPACIO ESCÉNICO
- Embocadura mínima: [X] m de ancho × [X] m de alto
- Profundidad mínima del escenario: [X] m (desde el proscenio hasta el fondo)
- Altura libre bajo varas: mínimo [X] m
- Suelo: [Linóleo/marley de color [X] / la compañía lleva su propio linóleo / se acepta suelo de madera negra / especificar]
- Configuración: Cámara negra completa con [X] calles de patas y bambalinas. [Ciclorama al fondo / fondo negro / sin fondo].
- Accesos necesarios al escenario: [Hombros izquierdo y derecho / chácena / patio de butacas / especificar]
- Observaciones: [Cualquier necesidad especial de espacio: espacio libre de obstáculos para portes, necesidad de foso, rampa de acceso, etc.]
3. ILUMINACIÓN
- Plano de luces: Se adjunta como documento independiente (archivo: [nombre del archivo]).
- Canales de dimmer mínimos: [número]
- Aparatos necesarios:
| Tipo | Cantidad | Uso |
|---|---|---|
| PC 1kW | [X] | [Ej: laterales, frontales] |
| Fresnel 1kW | [X] | [Ej: contraluces suaves] |
| Recorte / ERS | [X] | [Ej: cenitales individuales] |
| PAR 64 | [X] | [Ej: contraluces] |
| LED | [X] | [Ej: ciclorama, baños de color] |
| Cabeza móvil | [X] | [Ej: seguimiento automatizado] |
-
Mesa de iluminación: [Modelo preferido / tipo de archivo que se lleva / "se acepta mesa del teatro tipo [X]"]
-
Necesidades especiales:
- Máquina de haze (imprescindible / deseable)
- Cañón de seguimiento (imprescindible / deseable)
- Luz negra (UV) (imprescindible / deseable)
- Estroboscopio (imprescindible / deseable)
- Otro: [especificar]
-
Alternativas aceptadas: [Indicar qué flexibilidad hay: "Mínimo aceptable: [X] canales. Si no hay recortes, se aceptan PC con barndoors", etc.]
4. SONIDO
- Sistema de reproducción: [Ordenador portátil con salida [tipo] / dispositivo dedicado / especificar]
- Formato de audio: [WAV 48kHz/24bit / otro]
- Canales de salida necesarios: [número: estéreo, cuadrafónico, etc.]
- Conexión al sistema del teatro: [Tipo de salida del equipo de la compañía → tipo de entrada necesaria en el teatro]
- Microfonía:
| Tipo | Cantidad | Uso |
|---|---|---|
| [Diadema / solapa / etc.] | [X] | [Ej: texto hablado, intérprete 3] |
| [Condensador / ambiente] | [X] | [Ej: captación de sonido de escena] |
| [De contacto] | [X] | [Ej: amplificación del suelo] |
Si no se necesita microfonía, indicar: "No se requiere microfonía."
- Monitores de escenario: [Número y posición: "2 monitores, uno en hombro izquierdo y otro en hombro derecho" / "No se necesitan monitores"]
- Operador de sonido: [La compañía trae operador / se necesita operador del teatro]
- Observaciones: [Cualquier necesidad especial: click track para intérpretes, sistema de comunicación interno, etc.]
5. ELEMENTOS ESCÉNICOS Y UTILERÍA
| Elemento | Dimensiones | Peso | Lo aporta | Observaciones |
|---|---|---|---|---|
| [Ej: Tela de seda blanca] | [3m × 5m] | [0.5 kg] | [Compañía] | [Necesita punto de anclaje en vara 3] |
| [Ej: Silla de madera] | [45×45×90 cm] | [4 kg] | [Teatro] | [Sin brazos, asiento plano] |
| [Ej: Estructura metálica] | [2m × 2m × 3m] | [80 kg] | [Compañía] | [Necesita acceso de carga para montaje] |
- Necesidades de suspensión: [Detallar varas necesarias, pesos, puntos de anclaje]
- Elementos que afectan al suelo: [Agua / arena / confeti / ninguno]
- Elementos con implicaciones de seguridad: [Fuego / pirotecnia / arneses / ninguno]
6. CAMERINOS Y LOGÍSTICA
- Camerinos: [Número necesario y tipo: "1 camerino colectivo para [X] personas con espejos, perchas, sillas y acceso a baño" / "2 camerinos separados"]
- Espacio de calentamiento: Imprescindible. Espacio de mínimo [X] m × [X] m con suelo adecuado para danza (no moqueta ni mármol), disponible desde [X horas] antes de la función.
- Catering / hospitalidad: [Agua en escenario y camerinos / café / comida si la jornada lo requiere / según acuerdo]
- Carga y descarga: [Tipo de vehículo que llega: furgoneta / camión / coche. Necesidad de muelle de carga: sí/no. Acceso directo al escenario: sí/no.]
7. TIEMPOS DE MONTAJE Y DESMONTAJE
| Fase | Tiempo necesario |
|---|---|
| Montaje de iluminación (colgar, enfocar) | [X] horas |
| Montaje de sonido | [X] horas |
| Montaje de escenografía | [X] horas |
| Instalación de linóleo (si aplica) | [X] horas |
| Ensayo con técnica (luz + sonido) | [X] horas |
| Total montaje | [X] horas |
| Desmontaje tras última función | [X] horas |
Nota: los tiempos de montaje de iluminación y sonido pueden solaparse parcialmente. Indicar si es así.
- Función / funciones:
- Día [fecha], hora [hora]
- [Añadir más si hay varias funciones]
- Apertura de puertas al público: [X] minutos antes de la función
8. PERSONAL TÉCNICO
Personal que aporta la compañía:
| Función | Nombre |
|---|---|
| [Director/a técnico/a] | [Nombre] |
| [Operador/a de luces] | [Nombre] |
| [Operador/a de sonido] | [Nombre] |
| [Regidor/a] | [Nombre] |
Personal que se necesita del teatro:
| Función | Cantidad | Cuándo |
|---|---|---|
| Técnicos de iluminación | [X] | [Montaje y función / solo montaje] |
| Técnicos de sonido | [X] | [Montaje y función / solo montaje] |
| Maquinistas | [X] | [Si se necesitan varas, telones] |
| Auxiliares de escenario | [X] | [Si hay cambios de escenografía durante la función] |
9. DOCUMENTACIÓN ADJUNTA
- Plano de luces (light plot) — archivo: [nombre]
- Plano de escenografía (stage plot) — archivo: [nombre]
- Listado de cues (pies de luz y sonido) — archivo: [nombre]
- Archivos de audio — formato: [especificar] — envío: [email / enlace de descarga / se lleva en soporte físico]
- Dossier artístico de la obra
- Vídeo de la pieza (si está disponible)
[Nombre de la compañía] agradece al equipo técnico del teatro su colaboración. Para cualquier consulta, no dudéis en contactar con [nombre del contacto técnico] en [email] / [teléfono].
Fin de la plantilla. Recuerda: elimina todas las notas en cursiva y los corchetes cuando la rellenes con tu información real.
Cierre
Has recorrido un camino que muchos coreógrafos evitan durante años, hasta que un día llegan a un teatro y la realidad les da una lección que podrían haberse ahorrado. Ahora sabes que el rider no es un trámite administrativo que te aleja de lo artístico: es el puente que conecta tu visión con su materialización. Cada dato que escribes en un rider es una decisión artística traducida a un lenguaje que los técnicos pueden ejecutar. Cada campo que dejas en blanco es un espacio donde la improvisación —la mala, la que nace de la falta de previsión, no la buena— se instalará para degradar tu trabajo.
Piensa en esto: Anne Teresa De Keersmaeker no llega a un teatro sin un rider. Akram Khan no llega a un teatro sin un rider. Crystal Pite, Hofesh Shechter, Sasha Waltz, Sharon Eyal — ninguno de los creadores que admiras sube al escenario sin haber comunicado antes, con precisión milimétrica, lo que su obra necesita para existir. No porque sean grandes compañías con grandes presupuestos, sino porque entienden una verdad que ahora tú también entiendes: la excelencia artística y la excelencia técnica no son dos mundos separados. Son el mismo mundo.
Escribir un rider es un acto de respeto. Respeto por tu propia obra, que merece ser vista en las condiciones para las que fue creada. Respeto por los técnicos, que merecen saber qué se espera de ellos antes de que llegues. Respeto por el público, que merece ver la mejor versión posible de lo que has creado. Y respeto por ti mismo como profesional, porque un coreógrafo que sabe comunicar sus necesidades técnicas no es menos artista: es un artista completo.
La próxima vez que crees una pieza, no esperes a que alguien te pida el rider. Escríbelo. Escríbelo cuando la obra aún está tomando forma, y deja que crezca con ella. Escríbelo aunque sea tu primera pieza, aunque se represente en una sala pequeña, aunque creas que "no es para tanto". Porque el hábito de pensar técnicamente sobre tu arte no te limita: te libera. Te libera de la improvisación ansiosa, de las sorpresas desagradables, de las funciones donde tu pieza se ve al 60% de lo que podría ser.
Como vimos en el artículo sobre iluminación escénica, la luz no decora: narra. El rider es la herramienta que asegura que esa narración llegue intacta al escenario. Que el claroscuro lateral que imaginaste no se convierta en un baño frontal plano porque nadie avisó. Que el silencio devastador de tu tercer cuadro no se llene con el zumbido de un aire acondicionado porque nadie preguntó si podía apagarse. Que tus bailarines no resbalen, no se lesionen, no bailen a ciegas porque nadie habló del suelo, del calentamiento, de los monitores.
El rider no es burocracia. Es tu voz profesional. Es el documento que dice: "Esto es lo que mi obra necesita para ser lo que es."
Y si lo escribes bien, tu obra será exactamente eso.
El rider no es papeleo. Es COREOGRAFÍA que aún no se ve.